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A conclusione della mostra di scultura e disegno allestita, alcuni mesi or sono, presso la sala Cordella di Adria, intitolata "I movimenti del cuore", ci è stata offerta l'opportunità di incontrare l'autore Riccardo Crepaldi nella casa di campagna in cui vive e lavora, per ripercorrere alcune significative tappe della sua vita di artista.

Riccardo Crepaldi inizia a realizzare le sue sculture nel 1989, sollecitato da un gruppo di amici di Torino. Giorno per giorno apprende e perfeziona le tecniche dell'artigianato in generale e quelle del bassorilievo su tavole di legno in particolare, tesaurizzando i consigli dell'amico scultore Domenico Fanizza di Urbino.

La prima opera a tutto tondo (un incontro di due figure risalente al 1990) è, nei modi, straordinariamente vicina ai celebri manichini della pittura metafisica di Giorgio De Chirico e testimonia già la volontà di approdare alle difficili terre dell'arte.

I contatti con maestri assai rinomati (come il professore Giuseppe Lotto di Piove di Sacco e il professore Graziano Pompili dell'Accademia di Bologna) e con appassionati d'arte (come il pittore Paolo Gasparetto di Contarina) gli consentono di risolvere i problemi relativi alla impostazione delle figure e di sciogliere dubbi e incertezze sulla combinazione dei volumi, mentre le osservazioni e le riflessioni di alcune persone care gli permettono di staccarsi dall'opera e di avere una visione più oggettiva dei risultati di volta in volta conseguiti.

L'attività grafica preliminare (accompagnata spesso dalle prove preparatorie in argilla), poco amata dall'artista perché non comporta, al contrario della scultura, grande dispendio di energia fisica, diviene premessa indispensabile alle rappresentazioni plastiche che, per la natura stessa del materiale da cui sono tratte (legno ed ora anche marmo), richiedono una precisione tale da non lasciare spazio alcuno ai ripensamenti.

Il legno è, ovviamente, selezionato con attenzione: si prediligono gli alberi da frutto della zona, oppure l'ulivo, il castagno, il faggio, il platano e soprattutto il frassino per la compattezza delle sue fibre, la tendenza a rimanere stabile nel tempo e la resistenza che oppone agli attacchi dei tarli.

I ceppi, sempre di grandi dimensioni, ripuliti dalla corteccia, sono trattati con trementina e successivamente con olio di lino, sostanza in grado di evidenziarne colore e venature.

Ciò che importa a Crepaldi non è la figura in sè ma l'impressione del movimento che lo scalpello, condotto da abile mano, sa creare sulla superficie del legno. L'oggetto rappresentato è sempre identificabile, non è deformato o scomposto, ma conserva legami profondi con la realtà sensibile. A certa solidità e compostezza, però, si sostituisce l'idea del movimento, l'ansia di imprimere la tensione del moto ad una "cosa" di per sè immobile.

Ecco allora che il gioco delle superfici, in parte lisce, in parte scalpellate, o scanalate totalmente, nato per ragioni d'indole d'artista, è divenuto poi il mezzo privilegiato per togliere staticità alla forma. È come se l'albero continuasse a vivere, partecipasse ancora della vita della natura ed esprimesse questa vita nell'immagine del moto che ora il legno, per merito della tecnica e dell'arte, riesce a comunicare con un linguaggio nuovo. L'albero, insomma, resta ad esprimere il movimento del lavoro e l'atmosfera che lo circonda.

Il pensiero, o meglio, la riflessione che Crepaldi affida alle sue opere, ripropone l'antico invito oraziano del carpe diem: cogli l'attimo, afferra l'istante che fugge, sii presente al presente. La morte, che determina il senso del nostro essere uomini, ci impone di operare, di agire, di vivere il nostro tempo con intensità e l'arte non è che la testimonianza di questo impegno totale, assoluto.

Già a partire dal 1981 la passione per le arrampicate in montagna ispirava all'artista: non solo una precisa concezione della vita, ma anche l'idea che tale concezione avrebbe potuto trovare espressione in qualcosa di concreto destinato ad identificarsi, dopo il 1989, con un certo tipo di scultura, la scalata e l'opera scultorea richiedono infatti le medesime cose: fatica, attenzione, capacità di concentrarsi e utilizzare tutte le energie fisiche e mentali; e offrono, entrambe, la verifica e la misura delle proprie qualità.

Tutto questo Crepaldi ha raccontato e racconta realizzando un tipo di scultura principalmente vicino ai modi di Medardo Rosso (1858-1928), poi a quelli di Arturo Martini (1889-1947), di Augusto Murer (1922-1985), di cui egli ama soprattutto la produzione degli anni '50-'60 caratterizzata dalla finitura rustica e drammatica dei pezzi, e, in questi ultimi tempi, di Marino Marini (1901-1980) e di Alberto Viani (1906-1989).

Del Marini Crepaldi condivide l'asserto teorico espresso con limpidezza in queste poche parole: "Considero profondamente artistica soltanto quell'opera che, pur attingendo alla natura, se ne astrae e la supera. Arte è anche allucinazione perfetta, tutte le verità della natura in tal modo si trasformano"¹; del Viani apprezza la capacità di modificare e far scomparire i corpi reali attraverso la stilizzazione delle forme. Negli ultimi lavori, infatti, l'artista adriese si sforza di mantenere il soggetto in costante unione con l'atmosfera esterna e, nel contempo, di superare l'immagine classica del busto.

Oggi, dopo aver partecipato a diversi concorsi di pittura e scultura ottenendo lusinghiere affermazioni (Fano, Chiampo, Cesenatico e in particolare Como, dove il lavoro presentato dall'artista è stato premiato con il secondo più importante riconoscimento su centoventi opere), senza dimenticare la mostra collettiva organizzata dal Circolo rodigino di Bolzano in occasione della fiera della città, Crepaldi frequenta, come uditore, il corso di scultura presso l'Accademia di Belle Arti di Bologna.

Nel corso del corrente anno Crepaldi riproporrà la mostra intitolata "I movimenti del cuore" a Rovigo (settembre) e a Cavarzere (novembre). Attraverso questi appuntamenti ed altre esperienze ancora in fase di definizione egli svilupperà ulteriormente l'idea dell'essere presenti al presente, né ricuserà, crediamo, quel pessimismo appena accennato, quel latente malessere e quella sottile amarezza che unificano e contraddistinguono tutta la sua produzione presente e passata.

¹ C. PIROVANO, Scultura italiana del Novecento, Milano 1991, p. 162.

Legato al Polesine per la serie di bronzetti realizzati per il Premio Quadrivio, Stefano Baschierato si è sempre qualificato come un artista sorprendente, non vincolato a tecniche aprioristiche, ma interprete della realtà, intento a cogliere l’estrema potenza delle emozioni che colorano la vita. Per fare ciò l’artista si discosta dagli equilibri formali, creando opere intrise di passione e ironia.

I materiali e le tecniche diventano allora interpretabili solo se considerati parte stessa dell’opera, perché sono utilizzati da Baschierato come ingredienti per rappresentare i temi che gli sono cari.

E sempre egli manifesta una costante attenzione per la dimensione dell’esperienza, dell’umanità e dei dolori dell’uomo comune, attore indiscusso della vita. Le sue figure sono sempre graffianti e sensuali, pur restando essenziali ed inducendo l’osservatore a riconoscere le istanze essenziali della “materia umana”.

Ogni opera di Baschierato rappresenta infatti una particolare esperienza umana che viene esteriorizzata completamente grazie anche alla cura estrema posta nello scolpire i dettagli, che spiccano nel contesto di sculture la cui superficie è lasciata spesso ruvida, poco elaborata.

È proprio il “particolare” che aiuta a creare lo spessore delle creazioni plastiche. Ed in ogni opera Baschierato profonde il suo carattere: il suo messaggio è l’ironia, l’indulgenza. Il suo tono è dissacrante e a volte anche crudo, nel costante tentativo di “gridare”, con la scultura, che c’è dignità in ogni esperienza umana.

Nato a Celeseo, frazione di S. Angelo di Piove, Padova, il 14 aprile 1922, Stefano Baschierato, ancor prima di diplomarsi all’Accademia di Belle Arti di Venezia nel 1941, era già noto in varie città d’Italia dove aveva ricevuto premi e riconoscimenti.

Dal 1941 al 1942 ha insegnato alla scuola d’Arte del Legno di Ortisei ed ha partecipato alla seconda guerra mondiale come ufficiale. Ha ripreso la produzione scultorea solo nel 1972, con numerosissimi lavori in ferro, bronzo e pietra.

Nel 1977 ha vinto il premio mondiale alla biennale dantesca a Ravenna e attualmente si possono trovare sue sculture in 11 musei e monumenti in 9 piazze.

Alla fine del 1993 ha portato a termine la scultura della porta della chiesa di S. Angelo di Piove costituita di 12 formelle che rappresentano le opere della Misericordia e della Catechesi, con l’ultima cena nella parte superiore; i personaggi raffigurati sono tutti amici e conoscenti dell’autore che abitano o hanno abitato nel paese; anche in questo caso Baschierato ha scelto delle “comparse”, a significare che la vita si riferisce all’uomo comune.

Dal 1979 al 1986 è stato l’autore delle statuette relative al Premio Quadrivio di Rovigo, opere in bronzo rappresentanti Pierrot, saltimbanchi e attori del Ruzzante, che lo hanno fatto conoscere a molti polesani, che gli hanno manifestato stima e ammirazione.

In un’epoca dove il consumismo dilaga, i rifiuti sono diventati un vero problema. Si produce, si compra e poi si getta, e noi tutti siamo ormai sommersi da una massa di cose nuove e un gran numero di cose inutili, già usate, già passate.

Ma, come sempre, ci può essere qualcuno che si muove in direzione diversa, ossia alla ricerca di tutto ciò che è stato messo da parte, buttato via, per farne ancora qualcosa di utile, per restituire quella vita che aveva un tempo.

È il caso di Giuseppe Albertin, artista che crea sculture vivissime con materiali abbandonati, scartati e inutili: un pistone, una biella, un lama di badile, i chiodi per ferrare i cavalli, le ruote dentate di una vecchia bicicletta, diventano la materia prima per le inedite composizioni. Si tratta pertanto di realizzazioni che si presentano in forme dinamiche, acquistando, negli assemblaggi ideati dall’artista rodigino, nuove possibilità di “essere”.

I buchi al centro del corpo dei suoi pescatori o dei suoi famosi guerrieri, che non sono altro che la testa delle bielle, che lo scultore usa per formare l’esile tronco dei suoi personaggi, mi fanno riflettere: dove per secoli si è creduto che avesse sede l’anima, qui c’è un foro, un vuoto. Sembrerebbe uno spazio da riempire, rimasto vacante e forse in attesa di nuovi sogni e di nuove speranze; oppure, guardandolo da un altro punto di vista, il foro potrebbe essere espressione di un cuore aperto, libero, pronto a dare e ricevere.

Albertin crea dunque figure incredibili: fiori, galli, aragoste, ballerine, motociclisti che sembrano proprio sul punto di muoversi; pare che gli ingranaggi accostati così sapientemente possano all’improvviso cominciare ad incastrarsi, a muoversi l’uno sull’altro e così passare a nuova vita.

Si attua pertanto una metamorfosi con il magico passaggio da rifiuti inutili a sculture creative che rivelano chiaramente le doti creative dello scultore rodigino.

Solo una domanda: ma questi fiori, questi ballerini, questi pescatori sono per Albertin lo specchio di come egli vede gli uomini? Assemblaggi di bulloni e chiodi che si muovono meccanicamente? Lasciamo ai fruitori delle opere dell’artista rodigino la risposta, osservando che questi fiori meccanici continuano a sollevarsi per cercare il sole, i guerrieri ad avere una loro indomita fierezza, i pescatori la loro calma vigile, i ballerini la loro voglia di danzare.

In definitiva quindi, sono sempre uomini, animali, fiori, certamente diversi, ma uguali a quelli di sempre, se guardati nella loro essenza più profonda e pertanto l’attività di Albertin si configura come un’ intuizione artistica di una realtà, con creazioni davvero originali.

Cominciò fin da piccola, Luciana Arduini, a tenere in mano la matita per disegnare.

È figlia d’arte, come si suol dire, poiché molti della sua famiglia si sono dilettati nella pittura. Il mistero dei colori e delle immagini l’appassionò subito; continuò con il gioco delle matite e del disegno, tanto che, durante gli anni scolastici, vinse anche qualche premio di pittura.

Fu però un’anziana parente, alla quale era molto affezionata, ad indirizzarla verso le icone. Costei ne possedeva una, un’immagine cara e sacra, che portava sempre con sè nei suoi viaggi; e lei, Luciana, si perdeva nella contemplazione di questa figura che sentiva vera e viva, palpitante e reale. Fu così che la giovane, seguendo le narrazioni dell’anziana donna, cominciò ad interessarsi sempre più a tali opere, alla loro origine, alla loro storia e alle lontane terre di Russia e di Polonia, attratta, come gli antichi mistici, dal mondo misterioso dell’est europeo.

Quasi per gioco cominciò presto a creare piccole opere da sola, in seguito si interessò pure alla lavorazione del legno, del ferro, creando piccoli oggetti: animaletti, rosari, crocefissi, oggetti sacri o figure religiose, quali il Cristo.

Le vicissitudini della vita quotidiana per anni rallentarono un po’ l’impegno artistico, fino a circa quindici anni fa, quando Luciana Arduini riprese con più intensità ed accanimento a lavorare, a disegnare e a dipingere quelle figure ieratiche e dolcissime, ispirate all’arte povera della Russia e della Polonia. Un’espressione artistica, pregna di sentita religiosità, nata nei tempi antichi, quando i contadini russi preparavano le loro icone, protettrici della casa, come fossero dei Lari.

Quando le persone contemplano un’icona, spesso rimangono perplesse, stupite dalla sacralità della figura che hanno davanti: questo il messaggio che la pittrice vuole lasciare a quanti si soffermano ad ammirare le sue realizzazioni, le quali si rifanno ad alcune immagini note, come la Madonna di Czestochowa, oppure talvolta alle figure quattrocentesche del Beato Angelico.

Ma è la Madonna della città di Vladimir, “La Madonna della Tenerezza” con il bimbo divino accostato alla guancia della madre, che Luciana Arduini preferisce riproporre spesso, proprio per la dolcezza, la raffinatezza e la tenuità dell’immagine. I colori della “Madonna della Tenerezza” sono più chiari e la Madre divina sembra piena di affetto e di dolce amore.

È una ricerca della spiritualità, del diafano, del mistero e del sacro che Luciana esprime nelle sue opere, eseguite con tecniche che usavano in Russia e in Polonia tra il 1500 e il 1700. Ed il lavoro per raggiungere l’obiettivo è molto impegnativo. L’artista infatti dapprima prepara la tavoletta, che può essere di legno scuro, chiaro o rosato, poi schizza il disegno, riempie i vari spazi con i colori adatti o prepara la base d’oro o, ancora, divide gli spazi secondo l’immagine che vuol dipingere. Stende uno strato di colore e lascia riposare la tavoletta per un paio di giorni; ripassa più volte il colore a fasi alterne, fino a che l’immagine è in rilievo, ed è pronta per l’ultimo intervento, quello dell’invecchiamento, necessario per conferire all’icona quella particolare atmosfera di antica dolcezza.

Luciana Arduini, oltre alle icone, ama dipingere anche paesaggi e soggetti del Basso Polesine, paesaggi di Venezia, oppure ispirarsi a scene oniriche. Ama la pittura perché la sente viva e vibrante, perché le piace tutto ciò che è bello, armonioso e colorato; e proprio le sue icone sono una testimonianza dell’equilibrio interiore e del sentimento di profonda tenerezza che sa trasmettere agli altri, nella continua ricerca del divino e del mistico intorno a sè.

CURRICULUM

Nata a Porto Tolle (Ro), dove ha incominciato ad amare l’arte, guardando i colori del Basso Polesine, Luciana Arduini attualmente vive a Rovigo dove si dedica all’attività artistica.

Studiosa e profonda conoscitrice di culture ortodosse e di religioni orientali, ne ha assimilato profondamente la sensibilità, portando con sè il ricordo e l’amore per i soggetti sacri, dipinti sul legno: “le icone”, che lei stessa riproduce e crea dando loro vita con la stessa tecnica e con gli stessi materiali usati nelle epoche del passato.

Ha partecipato a varie mostre private, personali e collettive in varie città, riscuotendo ovunque consensi, riconoscimenti, diplomi, medaglie d’argento e d’oro.