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Vent’anni per un giornale, che vuole essere ogni mese la voce di una associazione culturale e sociale, non sono pochi. E sono anzi quelli bastano per affermare definitivamente non solo una sicura continuità nel tempo, ma anche e soprattutto la dignità di una presenza costante dentro e fuori i confini di una città piccola come Rovigo. Sono i vent’anni che il Quadrivio, tale il nome del circolo culturale e del giornale stesso, ha voluto festeggiare lo scorso settembre nel rinnovato splendore del salone di quella villa Morosini, a Polesella, che ospitò gli ozi e le riflessioni della maturità di un doge.

Moltissimo il pubblico accorso, sul filo di un concerto lirico, che incastonava un intermezzo gioioso che sogguardava con stile nativo l’operetta e la canzone di altri tempi. Protagonisti due cantanti polesani che hanno saputo farsi onore: il soprano Simonetta Casellato e il baritono Andrea Zese, ma anche il comico cantante (come appunto si usava nell’operetta) Gigi Franchini, che polesano non è, ma è sicuramente un grande amico del Quadrivio, al quale collabora ormai da tanto tempo. L’accompagnamento musicale al pianoforte è stato affidato al M° Alessandro Panella. E proprio il Quadrivio era, in realtà, il vero protagonista, presente nella memoria dei numerosi lettori che ricevono il periodico o se lo procurano ogni mese, per ritrovarvi gli echi dell’attualità, della vita sociale, dell’arte e della cultura. Sono un po’ questi i settori ai quali la rivista dedica cure e attenzioni, tra articoli e interviste e talora veri e propri saggi.

Direttrice e anima del giornale (così come del circolo) la sua stessa fondatrice, Nadia Rossi, che ha fatto gli onori di casa a villa Morosini, ritrovando amici vecchi e nuovi e soprattutto il senso di una lunga fedeltà che l’ha sicuramente commossa.

Nadia Rossi, si potrebbe dire, è cresciuta insieme al circolo, al quale ha dedicato tutte le sue energie (e i suoi risparmi) e nel tempo ha disegnato sempre meglio il giornale, che oggi ha una identità ben definita. Così, se all’inizio, vent’anni fa appunto, la sua firma e il gioco delle sigle e degli pseudonomi correvano lungo ogni pagina, oggi sono numerosi i collaboratori che inviano articoli che riescono ad essere sempre accattivanti e ad avere sicuri lettori (cosa, questa, che è meno ovvia di quanto si pensi).

Molta attenzione al sociale, con particolare riferimento alla medicina e alla salute, con interviste spesso di grande interesse a medici e primari degli ospedali del territorio, responsabili e amministratori delle Usl, liberi professionisti e studiosi. Né mancano interventi di industriali e artigiani, imprenditori e operatori. Ma anche molta attenzione a certi settori della cultura: dalla musica lirica (che per Nadia Rossi costituisce una passione sempre viva) alle arti figurative, che talora trovano riscontro in mostre organizzate dal circolo. Ma anche il cinema e il teatro, la letteratura e la poesia.

Nell’arco di questi vent’anni, attraverso le colonne del giornale sono passati in tanti, giovani e vecchi, apprendisti e professionisti di lunga data e tutti con qualcosa di dire e da insegnare. Ma sono stati e continuano ad essere soprattutto i giovani dare respiro alle pagine del Quadrivio, che può vantare di avere aperto la porta a intere generazioni, rappresentando sovente il primo o il secondo gradino di una carriera giornalistica che è andata poi definendosi nel tempo. Non sono pochi i giornalisti polesani che sono nati con il Quadrivio. Ma anche i non pochi giornali, mensili e settimanali e perfino quotidiani che affollano il panorama editoriale rodigino (insomma tanto da leggere per pochi lettori) hanno qualche debito con il Quadrivio, che pure ha sempre saputo mantenere il gusto per una semplicità e immediatezza di approccio.

E che il Quadrivio abbia lettori numerosi e informati, di ogni genere e di ogni estrazione sociale e culturale, lo provano i riscontri che hanno coloro che scrivono. Un articolo viene sempre letto e commentato e spesso discusso successivamente con lo stesso autore.

Quanti giornali possono vantare la stessa attiva diffusione?

Le più alte forme di espressione artistica si sono unite per ridursi “al minimo” e avvicinarsi sempre più al pubblico. È un recente merito del capoluogo polesano quello di aver dato origine a “Minimiteatri”, un’idea nata dall'incontro di personalità artistiche provenienti da diversi ambienti: Conservatorio, Teatro, Università, Accademia dell'arte.

L’obiettivo è quello di portare sulla scena ciò che nella vita è “minimo”: una stanza, oggetti quotidiani, abitudini, rapporti umani; ma anche il “minimo” in senso più ampio, le fondamenta dell'esistenza che risiedono tanto nella quotidianità tangibile quanto in quella dei valori essenziali.

“Minimiteatri” prende origine dalla volontà di sperimentare un tipo di teatro che metta insieme diverse forme di espressione artistica: musica, danza, recitazione, per realizzare una continua e inesauribile ricerca, volta a rendere fruibili le potenzialità della parola come suono, della musica come parola, della corporeità. Ogni luogo è teatro della vita: una stanza d'albergo, un appartamento o un giardino; analogamente ogni contesto “minimo” può divenire scena per Minimiteatri, il cui spettacolo “pilota”, intitolato “Cordis Duo”, ne rappresenta perfettamente l’estetica.

Gli spettacoli hanno un cast “minimo”, formato da pochi artisti, e un “minimo” allestimento che punta su pochi elementi densi però di significato. Tali scelte indirizzano le produzioni verso spettacoli agili, facilmente allestibili ma, al contempo, ricchi di spessore e di suggestione, nell'ottica di una ricerca teatrale e musicale finalizzata ad emozionare il pubblico e ad aprire le porte alla riflessione intima e personale. Il cast deve pertanto essere composto da artisti eclettici, poiché ogni spettacolo non può avere un autentico copione, ma si realizza tramite la rappresentazione di momenti emozionali e poetici che si vogliono “trasferire” e non narrare. Ogni evento diventa quindi unico e irripetibile, e al suo interno tutte le forme di espressione artistica concorrono alla realizzazione di emozioni.

Minimiteatri è un progetto attivo a Rovigo da poco più di anno, ma ha già avuto numerose occasioni di proporsi al pubblico riscuotendo successi e consensi che fanno pensare che anche negli spettatori sia vivo il desiderio di assistere alla messa in scena di eventi innovativi, alla ricerca di nuove forme di espressione artistica ed emotiva. Fautori fondanti di questo modo innovativo di vedere e proporre il teatro sono Letizia E. M. Piva e Gabbris Ferrari.

Letizia E. M. Piva è un’artista eclettica, attiva come strumentista d’arpa, solista e in varie formazioni cameristiche ed orchestrali con le quali ha effettuato numerose incisioni discografiche. Attrice e vocalist, impegnata nella ricerca vocale e sperimentazione, si esibisce in recitals e spettacoli teatrali; scrittrice di testi di teatro musicale per ragazzi sia originali che come riduzioni da libretti d’opera, da libretti di teatro o da fiabe e favole; ideatrice di manifestazioni legate alla cultura musicale giovanile; didatta di musica e teatro, svolge lezioni concerto, laboratori musicali per Enti e Istituti scolastici. Ha collaborato con molti Enti, Associazioni di rilievo tra cui: Fondazione Teatro La Fenice di Venezia; CeDi Centro Beni Culturali Ambientali di Rovigo; Teatro Stabile del Veneto; Federazione Cemat; Centro Ricerche Musicali di Roma; Istituto Musicale Europeo; Orchestra di Padova e del Veneto; Centro per il Teatro Musicale da Camera di Spoleto. Ha lavorato in diverse produzioni teatrali con importanti registi ed attori.

Gabbris Ferrari, nato a Rovigo, dove tutt’ora vive e lavora, affianca ad un attività come docente universitario e pittore, l’interesse per la ricerca grafica. Attualmente collabora come scenografo con il Teatro Sociale di Rovigo. Da anni segue gruppi teatrali e compagnie di danza, curando scenografie e scrivendo testi per il balletto. Importante nel suo percorso il legame con la Compagnia di Danza Contemporanea diretta da Elsa Piperno. La ricerca scenografica, il costume teatrale e la regia costituiscono i suoi interessi principali firmando, sia in Italia che all’estero, importanti allestimenti. Attivo anche in ambito didattico presso l’Accademia di Belle Arti di Urbino e l’Accademia di Venezia dove occupa la cattedra di scenografia. La stampa e la critica specializzata hanno sempre seguito il suo lavoro con interresse.

Accanto a questi due personaggi, altri collaborano più o meno assiduamente con Minimiteatri. Luciano Borin, concertista e compositore, docente al Conservatorio di Padova, è attivo come insegnante sulla pedagogia del Training Funzionale della Voce. Sue composizioni vocali e strumentali sono state eseguite in importanti sedi concertistiche tra cui la Società del Quartetto di Vicenza e il Teatro Politecnico di Roma.

Thierry Parmentier, nato a Bruxelles, dopo la preparazione presso la Scuola Internazionale di Danza di Rosella Hightower, inizia un’intensa attività che lo porta a collaborare con importanti compagnie europee (Ballet Theatre Joseph Russillo, Parigi; Ballet du XX siècle de Maurice Bejart, Bruxelles; Ballet Contemporain de Karmen La rumbe, Bruxelles) ed italiane (Teatro Sociale di Rovigo; Compagnia La Piccionaia, Vicenza; Teatro del Lemming, Rovigo; Teatro Stabile di Trieste; Compagnia Teatrale del Teatro Stabile di Fiume). Tra il 1983 e il 1986 fonda le Compagnie “Lagos Dance Theatre” e “Era Acquario”. Inizia poi l’attività di coreografo. Dal 1993 tiene stages e corsi di perfezionamento dedicati alla danza contemporanea, al teatro-danza e alla danza-terapia.

Claudio Moretti, inizia ad esibirsi come cantante ed intrattenitore, ma ben presto si avvicina al teatro e diventa allievo di Giorgio Albertazzi. Ha fondato i “Beta Pictorus” un gruppo con cui affronta testi che egli stesso scrive, pensando al miglior utilizzo delle proprie doti vocali e sceniche. Affronta anche il cabaret con uno spettacolo tutto suo. Ha collaborato per alcuni anni con la compagnia Veronese Mini Teatro Immagina diretta da Alessandro Cherubini. Dirige da diversi anni dei laboratori teatrali per i ragazzi delle scuole medie Per il Teatro Sociale di Rovigo ha lavorato nel dramma “Matteotti ad Memoriam” con la regia di Gabbris Ferrari. Ha debuttato come mimo nell’opera “Il Barbiere di Siviglia” continuando poi questa esperienza anche in altre opere.

Stefano Skalkotos ha vinto il premio per la migliore interpretazione nel concorso Teatrale città di Vicenza, con uno spettacolo dal titolo “Confessioni di maschere” da lui stesso scritto, diretto e interpretato. Ha coordinato il laboratorio “Bottega Teatrale” a Padova; ha partecipato come attore coprotagonista allo spettacolo “Virus Pestis: Venezia 1640” per la regia di Gabbris Ferrari, al Teatro Bissuola di Mestre. Attualmente partecipa ai laboratori Zelig. Dal 2003 collabora per la produzione del programma “Munchies” in onda su MTV come doppiatore e autore. E’ anche autore di testi comici da lui stesso interpretati.

Giuliano Scaranello, diplomatosi in arte scenica e dizione con Ernesto Calindri, ha compiuto numerose tournèe in tutti i teatri d’Italia con diverse compagnie di prosa e di operetta. Recentemente si è dedicato alla regia lirica.

Anna Tringali, diplomata all’Accademia d’Arte Drammatica “Palcoscenico” del Teatro Stabile del Veneto C. Goldoni.Scelta tra i finalisti del Premio alla Vocazione Hystrio 2004 a Milano, è stata attrice in ‘Ippolito’ di Euripide con Luca Bastianello e Fiorella Rubino e in “Delirio a due” di Ionesco con la regia di Gabbris Ferrari. È attiva in serate di reading di poesie, come doppiatrice di pubblicità e in laboratori di teatro per le scuole.

Gli spettacoli

CORDIS DUO

AZIONE TEATRALE PER VOCI E MUSICA

Con: Letizia E. M. Piva, Luciano Borin. Regia: Gabbris Ferrari

Testi di Satie, Sports e divertissements; Gershwin, The man I love; A. Merini, Corpo d’amore; Bilhana (XI sec.), Le stanze d’amor furtivo; L. Piva e G. Ferrari, Cordis; M. Yourcenar, I trentatrè nomi di Dio. Musiche: Anonimo inglese del XVI sec, Over the mountains; E. Satie, Sports e divertissements; Gershwin, The man I love; F. Garcia Lorca, Anda Jaleo; L. Borin, improvvisazioni.

Una stanza con un pianoforte che lei non suona, ma che lui suonava divinamente. Lei ricorda anche le musiche che lui amava suonare: gli autori inglesi, Satie, Gershwin con vecchie canzoni. Lui era francese. Ci sono anche una lampada e un ombrello: se un ombrello racchiude un mistero può diventare un ottimo interlocutore. Lei vive in quella stanza dove c’è anche un attaccapanni con un cappotto che non le serve perché non esce mai. Lei parla da sola, sempre più spesso. Qualche volta si racconta cose che non ha mai fatto, cose mai accadute. Lui se ne è andato ormai da molto tempo ma la ferita non si rimargina. Lei ha preso la tenera abitudine di esprimersi, o meglio, di parlarsi con frammenti di poesie che adora, con brevi aforismi, piccoli brani di letteratura. Il racconto di quell’amore si arricchisce di dolci richiami, gli artifici della poesia danno l’illusione di poter rivivere la passione di un tempo. E ogni volta questo sortilegio le consente di riportarlo a casa: il francese, fargli suonare il pianoforte, gli stessi brani naturalmente e le stesse vecchie canzoni.

LE CORDE DELL’ANIMA

Con: Thierry Parmentier, Letizia E. M. Piva. Interventi grafici : Gabbris Ferrari Regia, scene e costumi: Thierry Parmentier

E’ uno spettacolo dove il piano della danza, dell’azione scenica e della musica s’intreccia con quello degli schermi su cui sono proiettate suggestive immagini, il filo conduttore della narrazione. Il lavoro di creazione e montaggio delle installazioni visive è il punto di partenza del lavoro e ne costituisce l’ispirazione. La danza crea monologhi e dialoghi fra i due protagonisti; l’azione scenica suggerisce i miti celtici; la musica dal vivo dell’arpa s’intreccia con le potenti suggestioni delle canzoni celtiche e di musiche nordiche, sia classiche che popolari. Tutto ciò rende lo spettacolo un evento ricchissimo di situazioni che si avvicendano tra loro, quasi una magia.

Si racconta dell’incontro tra lo spirito, rappresentato dalla femminilità, e il corpo, rappresentato dall’arpa. Il percorso parte da una fase di Avvicinamento e passa all’Esplorazione delle possibilità del nuovo ‘strumento’. Dopo la Perturbazione, cioè la difficoltà e perdita di equilibrio, lo spirito acquista una Nuova Prospettiva. Avendo sperimentato il dolore e la difficoltà, comprende di essere un tutt’uno con lo ‘strumento’ ed attraversa una fase di Simbiosi. Anche questa però rappresenta solo un passaggio che porta ad un distacco necessario per giungere ad un vero Equilibrio. Una volta trovato l’equilibrio tra spirito e carne, si compie l’elevazione finale: la contemplazione, l’Estasi. A questo punto lo ‘strumento’ non ha più nulla da dare e viene abbandonato.

PALMIERI – L’ABATE DEGLI ILLUSI

Musiche di Luciano Borin, eseguite dall’autore. Costumi di Giovanna Fiorentini

Con: Claudio Moretti, Giuliano Scaranello, Letizia M. Piva, Stefano Skalkotos, Luciano Borin

Regia: Gabbris Ferrari

Lo spettacolo si avvale di un testo ricavato quasi esclusivamente dall’opera poetica di Palmieri e comprende un periodo che si aggira intorno agli anni trenta del secolo scorso. Nell’intento di dare struttura drammaturgica allo spettacolo, la traccia elaborata da Minimiteatri racconta un breve periodo di vita dell’autore che attraverso la propria poesia riesce ad esprimere quelle emozioni che gli provengono dagli ambienti quotidiani della sua stessa vita e dalle persone che ama.

Palmieri era molto legato al Polesine e alla piccola città di Rovigo che egli interpreta come un luogo del sogno fino a renderla un mito quasi privato, astratto e universale. Questo sentimento poetico ha rarissimi riscontri nella letteratura moderna e Palmieri costruisce una presenza originalissima nella letteratura del ‘900. La creazione di un testo interamente basato sull’opera poetica si è reso possibile in funzione della teatralità e della forma narrativa di questa poesia nonchè della carica visionaria dell’autore che nel suo lungo soggiorno polesano ha creato, con altri sognatori, quella Abbazia degli illusi di cui egli fu indiscusso abate. Lo spettacolo riesce a ricreare quel mondo non tanto per il gusto di una rievocazione sentimentale quanto invece per il recupero dell’identità culturale che questo territorio possiede ma che troppo spesso si rifiuta di riconoscere.

IL CUORE DI SAFFO

AZIONE TEATRALE PER VOCI E MUSICA

Voce ed azione teatrale: Letizia E. M. Piva; voce ed azione teatrale: Anna Tringali; danza: Thierry Parmentier. Regia di Gabbris Ferrari.

Le musiche sono distribuite lungo il percorso. Si tratta di suoni evocativi, molti dei quali prodotti dagli attori con piccoli strumenti o con la voce, oppure etnici e tribali, mescolati a pezzi originali scritti da Luciano Borin.

Per un girovago del teatro incontrare nella vita la poesia di Saffo può anche diventare una rivelazione. Una sorta di esperienza spirituale che porta con sé emozioni durature e profonde.

“La prima volta, dopo la scuola, dove mi era sfuggita ogni cosa, fu con Lilla Brignone, una grande attrice italiana che aveva il raro dono di capire in profondità ciò che recitava, che ebbi l’incontro magico con Saffo.” Si tratta di un vecchio disco, oggi introvabile, che la Brignone incise anni fa e più di molti libri servì a farmi comprendere quanto la poesia greca sia vicina a quella purezza dell’origine dove forma e sostanza sono la stessa cosa. I personaggi dello spettacolo sono tre e ciascuno interpreta, con messaggi diversi, il ruolo della Poetessa. Due attrici e un danzatore interpretano la molteplice natura di Saffo e la sua versatile inclinazione amorosa. I tre diversi aspetti si fondono nel finale in una sola figura che è sostanzialmente l’essenza stessa della poesia.

L’Otello di Giuseppe Verdi ha dato il via, nel modo migliore, alla 191a Stagione Lirica e di Balletto del Teatro Sociale di Rovigo, con due rappresentazioni tenutesi il 6 e 8 ottobre, precedute da altre due (una sorta di prova generale) nell’ambito del “Progetto scuola”, per gli istituti scolastici. Un’opera che mancava dalle scene rodigine da ben 43 anni, attesa con grande interesse del pubblico e nota per aver ottenuto ampi consensi fin dalla prima assoluta, andata in scena alla Scala di Milano nel febbraio del 1887.

Due cast di applauditi interpreti si sono alternati su una scena sobria, ideata da Gabbris Ferrari con un’impronta ispirata ad un certo rigore, ma non per questo disdegnata dal pubblico, che ha manifestato apprezzamento per l’intero allestimento e la regia di Dieter Kaegi. Annotazioni positive, qualificatesi come ottime credenziali per il viaggio che ha iniziato ad intraprendere il lavoro messo a punto a Rovigo dallo staff del Teatro Sociale, istituzione storica di sicuro prestigio per il capoluogo polesano che si avvale della direzione artistica del maestro Marcello Lippi.

Per la produzione realizzata a Rovigo, che raggiungerà vari teatri d’Italia, sbarcando poi anche in Irlanda, si sono affiancati al Sociale vari enti, quali il Teatro Comunale di Bolzano, il Centro Servizi Culturali Santa Chiara di Trento, la Fondazione Teatro Coccia di Novara, la Fondazione Ravenna Manifestazioni, il Coro Lirico Città di Rimini “Amintore Galli”, il Teatro Goldoni di Livorno e il Teatro dell’Opera Giocosa di Savona.

L’Otello, un’opera molto amata dal pubblico, desunta dal dramma di Shakespeare, in perfetta sintonia col clima del Romanticismo ottocentesco. Un soggetto che aveva sempre interessato Verdi, il quale più volte aveva pensato di curarne una trasposizione operistica. Obiettivo reso possibile dall’incontro con Arrigo Boito, procurato non senza difficoltà dal produttore Ricordi che riuscì a stemperare pregressi rancori tra i due personaggi, rappresentativi di due concezioni musicali che sembravano inconciliabili. L’opera polarizza l’attenzione su tre personaggi fondamentali: Otello, il “moro”, condottiero vincitore della flotta veneta accecato dalla gelosia; Desdemona la mite compagna vittima del crescente sospetto del coniuge, Iago il turpe tessitore della tela diabolica che aggroviglierà i rapporti tra i due consorti fino all’esplosione del dramma. Un ruolo secondario hanno poi Cassio, anch’egli vittima delle trame di Iago, del quale finisce inconsapevolmente per assecondarne i malefici progetti, e Roderigo, spasimante non ricambiato di Desdemona.

Sulla scena del Sociale la parte di Otello, il protagonista tormentato dalla folle gelosia, è stata interpretata nelle due rappresentazioni dal tenore Mario Malagnini (essendo indisposto Piero Giuliacci a cui era stata riservata la prima); il ruolo della dolce, candida quanto bersagliata Desdemona è stato riservato alle due soprano Chiara Taigi e Sara Galli; il demoniaco Iago è stato ottimamente interpretato dal baritono Vittorio Vitelli; Roderigo dal tenore Vittorio Zambon, mentre per Cassio si sono alternati i tenori Cristiano Olivieri e Giovanni Gregnanin.

L’Orchestra Filarmonica Veneta “G. F. Malipiero”, diretta da Gianluca Martinenghi ha offerto una resa efficace della impegnativa partitura musicale, ed altrettanto convincente è stata la prova prestata dal Coro del Teatro Sociale diretto da Giorgio Mazzucato.

Il successo di entrambe le rappresentazioni dell’Otello messe in scena a Rovigo, con la presenza di un pubblico delle grandi occasioni (di rilievo sia per le personalità convenute che per il massiccio afflusso, tale da far registrare il tutto esaurito) è stato sottolineato con piacere non solo dagli addetti ai lavori ma anche dagli amministratori rodigini, in primis dal sindaco Fausto Merchiori che ha espresso il suo convinto sostegno all’attività del Sociale, rimarcando l’importanza di una stagione che si concluderà nell’aprile del 2007 comprendendo complessivamente 12 spettacoli, vari per impegno e caratteristiche: serate dedicate alle opere liriche alternate con altre destinate al balletto e con alcune iniziative pensate appositamente per il pubblico più giovane. Soddisfazione per la capacità propositiva del teatro rodigino che si avvale di un laboratorio all’altezza della situazione, basilare per la possibilità di realizzare produzioni in grado di far conoscere ed apprezzare a livello nazionale l’attività operistica e di balletto “made in Rovigo”, avvalendosi anche di qualificate collaborazioni con importanti teatri italiani.

L’intervista

Ancora sull’onda della soddisfazione per il buon esito registrato dall’opera forse più attesa di tutto il cartellone della 191a Stagione Lirica e di Balletto, chiediamo al direttore artistico Marcello Lippi di esprimere il suo pensiero in proposito.

Direttore è stato pienamente appagato dalle due rappresentazioni dell’Otello? Quali sono secondo lei i punti di forza o comunque caratterizzanti di questa produzione rodigina?

“Le rappresentazioni di Otello sono state un grande successo grazie al lavoro svolto con professionalità e passione da tutti i partecipanti alla produzione. L’accoglienza positiva del pubblico e della critica è stato il giusto premio a tanto impegno. Credo che il punto di forza della produzione sia stato il cast, che era veramente di altissimo livello, coadiuvato da un’efficacissima regia e da una direzione orchestrale inappuntabile. Ho trovato superbe, come sempre, le prove di orchestra e coro. Tutti hanno lavorato consci che “Otello” sia un’opera molto difficile e che occorra un’estrema dedizione per avere un risultato qualitativamente accettabile, nonostante le ristrettezze economiche in cui è costretto ad operare il nostro teatro, che non ha i mezzi delle grandi fondazioni. La sfida di produrre a Rovigo un titolo così impegnativo è stata vinta grazie alla passione degli interpreti e di tutte le maestranze”.

In quali teatri italiani o stranieri è prevista la rappresentazione dell’Otello, nell’allestimento del Teatro Sociale? E quanto sono importanti le collaborazioni che il Teatro rodigino riesce ad attivare con altri analoghi enti sul territorio nazionale?

“L’Otello proseguirà il suo cammino nei teatri di Bolzano, Ravenna, Trento, Rimini, Livorno, Novara e Savona, quindi si trasferirà a Dublino. Il sistema delle coproduzioni è stato da me messo a fondamento dell’attività del Sociale: la possibilità di suddividere i costi di produzione con altri teatri partners permette un fortissimo risparmio e, attraverso un reinvestimento delle risorse risparmiate in altre produzioni, permette un significativo ampliamento quantitativo e qualitativo della stagione rodigina. Si crea poi una realtà di consociazione di teatri attorno a progetti, con uno scambio di idee e risorse che rende ancora più affascinante la creazione comunitaria di prodotti artistici di qualità”.

Nei suoi contatti con il mondo della lirica (cantanti, direttori d’orchestra, registi, scenografi, appassionati del bel canto) lei può facilmente testare il grado di interesse che si prova fuori dal Polesine per quanto viene fatto e programmato a Rovigo. Che considerazione si ha del nostro teatro?

“In questi due ultimi anni il teatro Sociale di Rovigo si è conquistato una fama internazionale proporzionale allo sviluppo delle sue stagioni operistiche. Il manifesto delle stagioni liriche suscita interesse in tutti gli operatori perché è molto ricco ed accattivante. Molti teatri italiani ed esteri desiderano collaborare con noi e fanno richiesta di coprodurre un’opera, cantanti anche molto famosi chiedono di cantare nel nostro teatro perché ha fama di teatro serio e perché è per loro un onore far parte di stagioni liriche tanto “in vista”, le giornate dedicate alle audizioni sono sempre pienissime di candidati, gli operatori teatrali considerano il teatro rodigino un’istituzione seria gestita da persone affidabili e professionali, molti teatri si rivolgono a noi per avere consigli, suggerimenti, indicazioni su come organizzare le proprie stagioni liriche; soprattutto all’estero il nome del Sociale è ora molto conosciuto. Io ho avuto, per esempio, l’onore di essere accolto dal teatro Covent Garden di Londra che mi ha messo a disposizione una sala per fare audizione a cantanti inglesi, inoltre aumenta costantemente il numero degli spettatori provenienti da fuori, abbonati compresi, con grandi vantaggi turistici per la città”.

Ci può anticipare qualche idea per il futuro? Sappiamo che vi sono molte preoccupazioni per il restringersi dei sostegni pubblici. Ritiene possibile mantenere un decoroso livello di programmazione a fronte di una situazione che finanziariamente può presentarsi problematica?

“L’anno scorso il Comune ha stanziato circa 450.000 euro con un rientro di circa 300.000 ed una spesa pertanto di 150.000 euro con la quale si è prodotto lavoro per 150 persone, cultura, turismo e si è fatto un gran bene al nome della città. Per il futuro le “voci” sono molto preoccupanti, soprattutto intorno ad un grande ridimensionamento del contributo comunale al Teatro. Siamo a pochi giorni dall’obbligatoria consegna dei dati al Ministero, fissata per quest’anno al 31 ottobre, e non ho notizie in merito. Attendo e trepido, come tutti i miei numerosi collaboratori”.

Molti si attendevano che l’avvio della nuova stagione lirica sarebbe coinciso con la fine dei lavori che stanno interessando lo storico immobile. E’ ipotizzabile la conclusione per il prossimo Natale? Quali saranno i benefici più importanti di cui potrà giovarsi il teatro?

“So che il sindaco di Rovigo sta prendendo in esame i problemi relativi all’incompiutezza del teatro e sta a lui pronunciarsi in merito, io ho solo incarichi di direzione e sovrintendenza artistica delle attività. Lo stabile è di proprietà comunale, gestito attraverso un apposito soggetto”.

Per l’attuale stagione c’è stato un vero e proprio boom degli abbonamenti. Un fatto molto incoraggiante, che induce a raddoppiare gli sforzi al fine di mantenere il Sociale all’altezza della migliore tradizione…

“Il grande aumento degli abbonamenti (58% per cento quest’anno più il 21% di aumento dell’anno scorso, fa uno straordinario 79% in due anni) è segno di una grande partecipazione e di una commovente fiducia da parte del pubblico del Sociale. I miei sforzi saranno triplicati se necessario per mantenere lo standard, ma se l’amministrazione non li sosterrà adeguatamente, essi saranno totalmente inutili. Conosco gli amministratori, ho avuto sempre parole di incoraggiamento e sostegno, pertanto guardo con ottimismo al futuro, non ascoltando voci negative messe in giro probabilmente ad arte, ed aspetto fiducioso di avere dai miei responsabili notizie certe sul futuro e sulla possibilità di continuare l’attività del Teatro Sociale”.