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Preziosissima la rosa con petali d’argento, dedicata a Rovigo, città delle rose, adagiata su un morbido candido cuscino; perfetti e bellissimi i collier in oro e corallo inondati da un fascio di luce incandescente; stupefacente la collana in oro lavorato ispirata a gioielli dell’antico Egitto. Lavori raffinati, frutto di grande maestria e gusto squisito che, assieme ad altre decine di pezzi unici dell’arte orafa, hanno letteralmente ammaliato i visitatori della mostra allestita lo scorso dicembre presso la Camera di Commercio di Rovigo.

L’occasione, per un’esposizione tanto inconsueta quanto affascinante, è stata la festa per il sessantesimo anniversario dell’impegno lavorativo di Ivano Cecchinato, unico autore dei pezzi esposti, portati a termine in anni di lavoro e confezionati contemporaneamente a tanti altri gioielli prodotti su commissione di clienti affezionati che periodicamente fanno visita al suo laboratorio in via Cavour a Rovigo. Qui ogni giorno Ivano – da alcuni anni coadiuvato dal figlio Andrea – esegue interventi di restauro di gioielli antichi, compie lavori di assemblaggio di pietre preziose ed oro e, di tanto in tanto, dà vita a veri piccoli capolavori.

La mostra rodigina, aperta dal presidente della Camera di Commercio alla presenza delle autorità cittadine, oltre a presentare una eccellente esposizione di realizzazioni uniche, è stata l’occasione per conoscere nei dettagli il certosino lavoro compositivo quotidianamente seguito da Cecchinato. Un’opera la sua che per alcuni gioielli richiede conoscenze ed abilità davvero particolari, le cui radici affondano nella millenaria storia dell’uomo. E se è vero che dal passato ci giungono stupefacenti monili, quasi una sorta di prezioso ponte di congiunzione di epoche tanto diverse, è però altrettanto vero che oggigiorno la produzione orafa è stata soggiogata ai ritmi dell’industria, accantonando un bagaglio di cultura e di tecniche di lavoro affinatosi nel corso dei secoli.

Sono pochissimi pertanto attualmente gli artisti-artigiani in grado di portare a termine lavori unici o di intervenire su gioielli del passato senza correre il rischio di alterarli o contaminarli con soluzioni tecnologicamente inadatte. Ma a Rovigo opera Ivano Cecchinato, maestro riconosciuto nel settore, in grado di mettere a punto gli interventi più congeniali per ripristinare antiche gioie. Alle sue valenti mani fra l’altro, giusto dieci anni fa è stato affidato il restauro della preziosa lampada votiva della Rotonda, deterioratasi in decenni di incuria e trascuratezza, tornata all’antico splendore in occasione del quarto centenario dell’avvio di lavori del tempio rodigino dedicato alla Madonna del Soccorso.

Quella di Ivano Cecchinato è una storia alquanto particolare, in totale controtendenza con i flussi che hanno caratterizzato il passato della nostra provincia, divenuta, dopo la seconda guerra mondiale, terra di massiccia emigrazione. Viceversa Cecchinato, proprio in quegli anni, appena ventenne, decide di lasciare Padova per avviare la sua attività a Rovigo.

A Padova, dove era nato in una famiglia di valenti artigiani del ferro, aveva sentito precocissimo il richiamo verso l’arte orafa, tanto da affrontare, a soli 11 anni, il disagio quotidiano di raggiungere il centro cittadino per frequentare una “bottega” qualificata: dapprima il laboratorio di Luigi Callegaro, poi quello di Gino Panizzolo.

Appreso velocemente il mestiere, ben presto si sente in grado di camminare con le proprie gambe, ma a Padova, dove le imprese impegnate nel settore si presentano ben radicate, c’è poco spazio per nuove iniziative.

Di qui l’idea di aprire un’attività a Rovigo, vivendo da pendolare anche per non lasciare del tutto la piazza padovana. Una vita dura, fatta di treni e di tante ore di lavoro per un’attività che, in un periodo magrissimo come il dopoguerra, si prospettava con possibilità di sviluppo davvero risicate.

Ma una grande passione non si estingue neppure di fronte alle notevoli difficoltà incontrate; che anzi stimolano Cecchinato a far sempre meglio, superando ogni volta se stesso con realizzazioni che conquistano l’attenzione di vari estimatori. Finché, nel 1954, dopo varie esperienze, la decisione fondamentale: aprire il proprio laboratorio in pieno centro a Rovigo, nella centralissima piazza Garibaldi.

Qui l’attività metterà davvero radici, cosicché Cecchinato opererà in piazza Garibaldi fino al 1968. Quattordici anni importantissimi sia sul piano professionale che personale, perché in questo arco di tempo, accanto ai crescenti consensi per l’attività lavorativa, ci sarà il matrimonio e, con la famiglia, la trasmissione dell’interesse per l’arte orafa ai figli.

Nuovi traguardi caratterizzano gli anni successivi: nel ‘68 Cecchinato trasferisce la sua attività in via Cavour, ove ha sede l’oreficeria tuttora gestita dalle due figlie; poi nel 1989, quando ha ormai alle spalle 48 anni di attività e pieno diritto alla pensione, ecco una nuova idea: aprire, sempre in via Cavour, un nuovo punto orafo. Il primo passa pertanto alle figlie, caratterizzandosi come oreficeria finalizzata alla commercializzazione, mentre il secondo, attrezzato per la lavorazione, vede l’entrata dell’ultimo nato, Andrea, che con altrettanta competenza e passione affianca il padre nell’attività orafa, coinvolgendo anche la giovane moglie Letizia.

Ma, nonostante questi nuovi ingressi, Ivano non è uomo da pensare alle pantofole. Per lui non sono concepibili giornate senza il cesello, o la cannula della fiamma per sciogliere l’oro. Vigile patriarca, arriva puntuale ogni giorno in via Cavour, dove, siamo certi, realizzerà ancora qualche gioiello originale, come una delle ultime creazioni che ci mostra soddisfatto: un anello apribile che offre la possibilità di cambiare la gemma a seconda dello stato d’animo o dell’abbigliamento della signora che potrà annoverarlo tra le sue gioie.

I gioielli di Cecchinato sono dunque lavorazioni eleganti e raffinate, testimoni di studio, di squisita fantasia e di non comuni capacità di realizzazione, che fanno onore al valente artista-artigiano che da tanti anni opera, apprezzato, nella città di Rovigo.

I colori prendono forma e iniziano a giocare, confondendosi con immagini ideali, nate nella mente, desiderose di trasformarsi da semplice pensiero in armoniose linee, forme curiose.

Non sono macchie casuali, ma emozioni intense che riempiono le tele di Mario Tavolini, pittore ferrarese (abita a Malborghetto di Boara) ben noto in Polesine, terra che ha ospitato diverse sue esposizioni immortalata in ogni espressione, ansa, scorcio paesaggistico, nei dipinti che abbracciano il visitatore con pennellate armoniche di colori e sfumature, ritraendo l’anima poliedrica dell’ambiente deltizio, dove il tempo è scandito soltanto dallo scorrere incessante delle stagioni. Tele che non contengono banali segni accostati in tinte sgargianti senza un preciso significato, ma la ricerca, dietro ogni immagine surreale, di una risposta agli interrogativi dell’uomo moderno, sempre più impegnato e sempre più solo.

Tavolini si presenta per la prima volta al pubblico nel 1980. Negli anni che seguono, ottiene prestigiosi riconoscimenti da parte della critica. Nel 1985 viene premiato da Remo Brindisi, nel ’90 dall’Ambasciatore di Francia Gilbert Perol per la sua opera in occasione del bicentenario della rivoluzione francese. Le sue tele sono conservate da numerosi collezionisti in Italia, Germania, Francia, New Jersey, Philadelphia, San José – California, Israele. Numerose le mostre personali in tutta Italia.

Ma, più del curriculum, parlano i dipinti. Tavolini ama i paesaggi del Polesine e li raffigura con la voce del cuore, intense macchie composte di colore. Una natura, per lui, immancabile come sfondo dell’esistenza, talvolta palcoscenico di un vivere sicuramente non soltanto razionale. Trasforma le cose semplici, quotidiane in preziose gemme da ammirare, da non trascurare nella instancabile corsa verso l’effimero. Le sue opere più originali hanno come protagonista uno dei fiori estivi per eccellenza, umanizzato grazie a un’anima e a una gestualità creata in morbidi contorni.

D’un tratto, la sensazione si fa immagine. E l’immagine sprigiona la sensazione. Nasce e prende forma così “Il sogno dei girasoli”, raccolta pittorica di Mario Tavolini. Vede rappresentati i fiori che esprimono intrecci di pensieri ed emozioni capaci, immancabilmente, di catturare le riflessioni dell’uomo, trasformandolo in un essere quasi ultraterreno, non di questo mondo, fatto esclusivamente di stati d’animo attraverso cui racconta se stesso.

In “Afro” si ammira una danza serale, tutti in fila come artisti di strada senza volto, ma riconoscibili per gli strumenti scelti mentre la luna, chiarissima, illumina a giorno il percorso dei musici. Girasoli “Amanti” con il gambo aggrovigliato, rivisitazione del famoso “Il bacio” di Klimt. Girasoli dalle spoglie di bambino, che attende la mamma, mentre torna a casa in bicicletta nella strada alberata e sterrata. Girasoli in cerchio nella “Danza di ringraziamento”, attorno a uno spaventapasseri al centro della scena. Girasoli anche tristi, riflessivi, consapevoli dell’effimero, della temporaneità della condizione umana, che in “Nessuna notte sarà infinita” chinano il capo a terra, sospendono il suono della chitarra, lasciando parlare la neve che ricopre e nasconde un’agghiacciante, crudele verità. Oppure i girasoli che sfrecciano sul Po, attraverso una scatenata gara di sci d’acqua. “Sono 21 attualmente i dipinti della collezione – precisa – ma presto aumenteranno. Ho già altre idee da sviluppare”.

La “soffitta” impolverata e ricca di risorse chiamata “immaginazione” si confonde con sentimenti e stati d’animo dettati da un curioso spirito di osservazione, occhi attenti sul mondo fatto di piccole cose, per Tavolini linfa vivace di creatività.

Protagonisti non sono soltanto gli amati “girasoli”, ma anche i meravigliosi paesaggi del Delta del Po e alcune zone rodigine che i visitatori riconoscono non appena gli occhi raggiungono il quadro. La “storia” inizia raccontando con pennelli e colori, il paesaggio de “Il faro di Pila”, proteso verso il cielo estivo, al tramonto, accompagnato da un sole rosso, a salutare le prime violacee sfumature della sera. “Paesaggio del Delta”, “Ultimi giorni”, “La casa gialla”, “Conchiglie”, solo per citarne alcuni, imprimono nell’animo del visitatore la sensazione calda della spiaggia estiva, assolata, mentre il mare regala preziosi gioielli dalle forme perfette per farsi ricordare, o strappano dalla pellicola mentale il ricordo ormai sbiadito dell’arrivo di settembre, quando soltanto l’ultimo ombrellone aperto resiste a sfidare l‘autunno.

Il fiume Po non poteva mancare nei quadri di Tavolini, protagonista del vivere quotidiano con risorse ambientali spesso poco conosciute. Pioppi verdeggianti che regalano ombra nelle giornate afose, o spogli con rami gracili e spruzzati di neve, tetto naturale per chi, nonostante il gelo, percorre a piedi i sentieri innevati, candidi, smunti, mentre tutto, attorno, è intatto, fermo, sospeso, in attesa di un raggio di sole.

Il silenzio ovattato avvolge un uomo, la strada deserta, imbiancata, mentre la neve non accenna a fermare la sua lenta passeggiata, dal cielo alla terra. Sembra proprio di viverli in un sospiro profondo quei paesaggi, di sentirli parlare: il fluire calmo delle acque sotto la coltre densa della nebbia autunnale, i rami spogli degli alberi golenali, il frusciare del fogliame mosso dal vento in prossimità dei casoni di Albarella, le tranquille, lente, pigre giornate d’estate, afose compagne di dialoghi tra cicale e pedalate in bicicletta.

L’uomo è talvolta ritratto, ma solo di spalle, o sulle rive del Po, o su una spiaggia mentre guarda il tramonto, che passeggia e se ne va, lontano, o mentre osserva, dal suo piccolo “regno d’impotenza”, il disastro umano dell’11 settembre 2001, su una terrazza, platea dell’esplosione tremenda da cui schizzano e svaporano nell’aria migliaia di occhi. Un uomo, dunque, che non scruta l’interlocutore dritto negli occhi, ma intento a una ricerca profonda, lontana dai valori terreni. ”Rappresenta la saggezza – spiega Tavolini – il tempo in cui non si ha più paura nel guardare il domani, a sfidare il futuro”.

La bellezza, magica e suggestiva dei Colli Euganei traspare con vivezza dagli olii raffinati e luminosi di Daniela Turetta, artista che sui Colli è nata. Ma anche il Polesine, con le sue campagne mutevoli, con i respiri del Delta e del grande fiume, ricco di angoli suggestivi, è motivo di ispirazione per l’artista in perenne dialogo con la natura; nella quale riesce a cogliere quanto di più vivo e di più bello essa può comunicarci quando si ammanta di verde, si veste di luce e di colore, e si lascia contemplare nella sua infinita dolcezza.

La contemplazione della natura, forse accorata, malinconica, incredula, intrisa di meraviglia e di stupore come l’animo di un fanciullo, riesce a tradursi in un messaggio d’amore appassionato e struggente. Una testimonianza della sensibilità e della genuina ispirazione di un’artista alla quale sono stati maestri, in una cornice di solenne e mistica bellezza, i Colli Euganei.

Osservando le opere di Daniela vengono alla mente le parole di Zola rivolte alla pittura di Pissarro. “L’artista – egli affermava – non ha cura che della verità della coscienza: egli si colloca in faccia alla natura, ponendosi come compito quello di interpretare gli orizzonti nella loro ampiezza, senza cercare di aggiungervi nulla di propria invenzione… Nessun quadro mi è sembrato di una grandezza più magistrale… vi si sentono le voci profonde della terra, vi si indovina la vita possente degli alberi… Una simile realtà va oltre al sogno.”

Il colore, per Daniela Turetta, è palpitante epidermide ed insieme forma del dipinto. Le “touches” di colore sono leggere e vibranti, sottolineano l’immersione dei volumi nell’atmosfera e creano un’impressione di diffusa luminosità. Certe opere mi fanno pensare ai quadri di Segantini per la loro altissima purezza ed intensità.

Quella della Turetta è una pittura limpida, ben calibrata, che gioca sui rapporti di forma e colore con una sapienza che è la vera origine del piacere estetico. Ecco il segreto di quella accattivante attrazione che possiedono i suoi paesaggi, indenni da sofisticazioni e forzature stilistiche.

La struttura mentale, che sorregge l’immagine, la depura, la filtra, la fa partecipe di un concetto ideale di bellezza: la luce dei tramonti indora i colli, il cielo screziato di nubi si apre infinito su campi e distese di papaveri.

Nei quadri di Daniela si respira questo ordine naturale che nasce da un ordine mentale. E nelle sue immagini si appoggia, appagata, la nostra anima ansiosa di serenità e pace.

In questo periodo convulso, in cui la vita sta facendosi sempre più materialista ed arida, la vista di un quadro di Daniela Turetta, così aperto alle bellezze mutevoli della natura, diventa un antidoto, un ritorno alle nostre origini. Il segreto di Daniela viene proprio da qui: dal desiderio di accostarsi alle cose con purezza di intenti, cioè con amore.

E’ una terra meravigliosa quella del Polesine, fatta di silenzi ovattati immersi nella nebbia, rotti solo, in istanze assai brevi, da voci e sussurri che la natura trasmette, con pensierosa malinconia, direttamente all’anima di chi l’ascolta e sa comprenderla.

Il Delta del Po ha vissuto millenni di una magica storia intrisa da avvenimenti che il grande fiume ha raccolto, discreto uditore, per trasferirli alle grandi acque serrate nei palpiti dei canneti e nella magia di giornate assolate e di pensierose notti che invitano ad ascoltare la propria interiorità.

In uno le pulsazioni emozionanti della musica, le agitate palpitazioni del poeta o le vibrazioni fantasiose dello scrittore. E tutto questo, nelle immagini del sapiente pittore, si raccoglie per ripetersi nella trascrizione di una splendida realtà non schiva dall’esprimersi in una metamorfosi che, nella scelta dei colori e nella evanescenza di immagini rubate al sogno ed alla fantasia, parlano della millenaria ballata delle nostre acque, dei corridoi lunghi e stretti fra le acque, dei canneti che giocano ai richiami del vento, della barene e dei bonelli, asilo prediletto dei trampolieri e dei migratori. Parlano dei nostri borghi e delle vicende di vita, che hanno scritto pagine millenarie di una infinita dolcezza e di una sofferenza generosa, ricorse a plasmare gente laboriosa e leale, spontanea nella parlata e ricca di generosi valori umani.

Questa genesi della vita, in costante fibrillazione, Emidio Bernecoli la conosce perché assunta nel tempo dai genitori, dalla famiglia e dalle peregrinazioni, sia pur provvisorie, che hanno preceduto, come in una ballata di gnomi, fate e folletti nel bosco della vita, la sua sosta ad Adria culla, anche se non di nascita, del suo impegno artistico.

E con gradualità si è maturata la capacità del pittore nelle molteplici interpretazioni di senzazioni, di stile, di gente e di figure che la sua natura, silenziosa e schiva dal frastuono, ha sapientemente assunto per trasferirle in tele che raccontano della saggia ricerca in un percorso di sogno quasi perenne.

Negli ultimi tempi Emidio Bernecoli sigla le sue espressioni pittoriche con una luna che esprime il romanticismo della sua interiorità e con un vaso di fiori che, trasparendo in primo piano sulle immagini della sua città e della sua terra, vengono a significare un omaggio ed un rispetto intesi a definire l’affetto per questa millenaria aristocratica Signora, madre di anime palpitanti che hanno di molto segnato, nell’arte, la sua nobiltà.

Ma Emidio è il pittore dei cromatismi armonici che sono, da tempo, usciti dalla esperimentazione per imporsi nelle sue tele con una autorevolezza da vero maestro. Il percorso di un cercatore mai sazio di provare e di scoprire i vicoli segreti del cuore e del colore. Mai stanco di raccontare dei suoi affetti, delle sue gioie o delle sue mestizie, così come quando rende omaggio all’inquieto Caravaggio, che chiama a nume tutelare della sua irrequietezza non esitando a porsi, in autoritratto fra le immagini di quei quadri che scavano nel cuore della fede, della vita e della morte. Né esita a chiamare in campo la dolcezza di grazie del Regnault o del Blomaert ed i pensieri sulla fatuità delle cose del Reymerswale. Le sue atmosfere sanno creare, con attenzione, i risalti della notte e le melanconiche apparizioni del Goya o del Rembrandt che sembrano uscire dalle imperscrutabili atmosfere d’infinito per donare immagini di una realtà della vita che penetrano profondamente nell’anima. Sono momenti di una maturazione artistica, alternanze di passaggio che non ancorano Bernecoli ai tempi ma che lo esaltano nell’omaggio alla grande pittura del passato per farlo, poi, continuare in espressioni di una sempre più completa proprietà e saggezza pittorica.

I quadri di Emidio vanno attentamente visitati, lasciando che parlino all’intimo con le loro fusioni di immagini e colori generanti, in continuità, paesaggi ed immagini di emozioni comunicative e penetranti.

Ma il pittore va analizzato nel suo intero percorso e la carrellata di figure parlerà di quella sua insaziabile intelligente ricerca, di quel suo spiritualismo schivo di inutili ed assordanti ballate, ma palpitanti di quella eterna poesia che diviene meditazione e storia in ogni quadro.

I racconti continui di un artista che sa creare, con appropriata conoscenza del colore, i suoni ed i segreti del tempo e, con le emozioni che il silenzio gli detta, la nascita di opere di arte vera alle quali il tempo darà sempre maggiore e migliore ragione di vita.

Narra la leggenda che una dolce fanciulla, promessa ad un uomo che non amava, cercò e trovò tragica fine nelle acque di un limpido laghetto, che la pietà dei vivi, in sua memoria, battezzò Gorgo della Sposa.

Si sussurra che nelle notti senza luna il vento, che sibila tra i canneti, tragga dalle profondità i lamenti d’un anima che invoca giustizia.

Il Gorgo della Sposa, più volte citato in questo periodico, si trova sulla strada che da Trecenta porta a Salara, contornato di alti pioppi, popolato di canneti e ninfee: un paradiso per la selvaggina autoctona stanziale e di passo. I suoi custodi, da tempo immemorabile, sono i fratelli Lavezzo, che, ispirati dall’aura romantica dell’ameno sito, hanno prodotto opere pittoriche di intensità emotiva e purezza di linguaggio.

Il primo dei fratelli Alfio, che conosco per contatti professionali, mi fa ammirare uno dei suoi murales ricavato sulla parete della casa prospiciente il laghetto. E’ un paesaggio lacustre con una barca immobile a riva. Dominano nitidi ed intensi il verde e l’azzurro, l’acqua riluce mentre sullo sfondo si stagliano colline e più lontano cime innevate; betulle e olmi fanno da portale all’opera, mentre un ruscello scende tortuoso. Traspare la serenità dell’artista, il quale dopo avermi fatto vedere alcuni lavori, mi accompagna, a poche centinaia di metri da quel luogo, dove dimora il fratello Giuseppe.

Giuseppe Lavezzo deve essere un vulcano in piena attività: murales a tutta parete, rappresentano un cavallo bianco imbizzarrito dalla presenza di un fantasma, mentre un drago cinese si contorce e fanno la loro comparsa maschere carnevalesche, arlecchini, galli e colombe: il tutto però armoniosamente fuso in un insieme che appaga. Altri murales adornano l’ingresso principale della casa tra il verde di piante altissime, una maschera sulla sommità, ti segue con gli occhi da qualunque posizione la fissi, un artificio che non passa insservato. Un paesaggio lacustre si intravede da colonne tortili; colpisce la nitidezza del segno ed il sapiente dosaggio dei chiaroscuri che danno spessore volumetrico.

Sto per girare i tacchi, ormai pago, quando si sente un rumore nel seminterrato: “El ghe xe” dice Alfio “mio fratello è giù che lavora”.

Lo chiama, l’altro risponde, ed eccolo Giuseppe Lavezzo un uomo non alto ma proporzionato, la cui età non oso definire, con in testa un’incredibile “Kaciola” stile marocco decorata con disegni. Ci presentiamo, gli chiedo il significato di quegli schizzi sul copricapo di carta, ed intanto colgo alcuni soggetti già visionati sui murales. Ridacchiando mi dice che sul cappellino porta tutto quello che in testa gli frulla, cioè le idee, le ispirazioni che dall’animo salgono al cervello e si fissano sulla carta del suo copricapo.

Mi lascio guidare, mi porta in casa accompagnato dal fratello la cui presenza discreta vale un riconoscimento al vero artista che è Giuseppe.

Opere in ogni dove, tele ad olio, acquerelli, dipinti su papiro portato da un viaggio in Sicilia, il cui soggetto non poteva essere che la regina Nefertari con gli attributi divini, un altro con un vaso attico mostra il mito di Europa che cavalca il Toro-Zeus.

Mi gira la testa, la poliedricità del Lavezzo è tale che egli si cimenta con ogni materiale che gli capita a tiro; soggetti zoomorfi in terracotta dipinta, farfalle dalle ali spiegate coloratissime dello stesso materiale, quadretti minuscoli che controbilanciano i giganteschi murales, quello più grande di 22 mq fa da sfondo al negozio di alimentari gestito dalla moglie.

Alcune sensuali fanciulle del mastodontico murales ricordano Eva, tante Eva in un Eden “sui generis” in cui il serpente sembra sedurle, una tigre minacciosa fa da guardiano mentre il sole sorge con raggi di gusto nipponico.

Proseguiamo: alle terracotte dipinte seguono animali stilizzati ricavati da radici secche di piante, un’infinità di zucche vuote abbellite da motivi geometrici, ma pure glutei femminili, maschere animali, paesaggi.

Mi attira un enorme salame penzolante dal soffitto, spagato con maestria, ammuffito al punto giusto, ricurvo. Lo guardo e lo tocco leggermente, si mette a dondolare… diavolo d’un Lavezzo me l’ha fatta!.. Si tratta di uno zucchino vuoto abilissimamente camuffato. Era già successo 2350 anni prima ai giudici chiamati in causa per assegnare il premio ad una gara di pittura; Apelle il più grande pittore classico greco stracciò tutti dipingendo un velo che sembrava vero, tanto che i giudici si apprestarono a sollevarlo per scoprire l’opera, facendo la figura dei… salami.

Proseguiamo tra piccoli quadri con facce contorte che vorrebbero esprimere dolore e stupore, ma Giuseppe non sa cosa vogliano dire, gli sono venute così. Avanti si cambia, l’arte da pittorica passa a plastica; le mani del Lavezzo danno forma a piccoli busti grotteschi, vagamente somiglianti ai Trolls nordici, vecchi sdentati dalle perfette proporzioni. E poi ancora galli, tori, rinoceronti ed elefanti, una parossistica produzione che sbalordisce. Di quando in quando ricompare un quadro del Gorgo delle Sposa, le canne, la paviera, una famigliola d’anitre selvatiche, ninfee in fiore.

Sono i ricordi di un fanciullo, e l’animo è senz’altro di un fanciullo; Giuseppe si illumina all’istante non appena scopre qualcosa che lo accomuna all’interlocutore, una persona un fatto accaduto, un luogo,… trabocca sì, perché ne è pieno, tutto l’estro e la creatività dell’artista, ma ogni cosa resta soggiogata da un alone di pulizia interiore che ti affascina e ti disarma.

Ancora album carichi di disegni, soggetti fantasiosi, fanciulle di sogno che sorgono da fiori e, viceversa, un paradiso terrestre in cui la sensualità di Eva contrasta con la rapacità del demonio, mentre Adamo appare impaurito, inadeguato al grande compito che l’attende, potesse… fuggirebbe.

S’è fatto tardi senza accorgersene, sto per accomiatarmi quando Giuseppe mi mostra i suoi disegni giovanili, cronache dell’attività attorno al Gorgo. Ecco la lavorazione della canna raccolta a mazzi, ecco la paviera (pianta palustre) ad essiccare per farne stuoie, sporte, oggetti d’abbellimento. Ecco due mazzi di “zonkoli”, altra pianta palustre, che legati due a due fungevano da salvagente per i ragazzi che nuotavano le prime volte.

Alfio si è già sfilato, mi duole andarmene, ho scoperto un individuo eccezionale e insieme lo scandalo che la sua fatica non sia affiorata alla grande notorietà. Mi sento leggero mentre avvio il motore, più che avessi ereditato una fortuna, e mentre me ne sto mezzo inebetito, un fulmine mi attraversa il cervello.

Per la miseria, ora credo di capire il significato di quelle bocche torte, di quei volti profondissimamente doloranti… non esprimono supplica o compassione, esprimono urla, tragiche urla, che dal Gorgo salgono e vengono inchiodate nella tela dalla sovrumana sensibilità del Lavezzo: è la sofferenza sconfinata che si fa colore e figura per perpetuare nel tempo la lacrimevole vicenda di un’infelice Sposa.