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Solo sulle ali della fantasia possono oggi veleggiare le navi romane. Imbarcazioni costruite con perizia da un popolo, inizialmente interessato alla sola espansione terrestre, convintosi poi a percorrere le vie del mare con imbarcazioni sempre più solide ed agguerrite, per contrastare la potenza cartaginese. E fu così che ben presto i romani imposero il proprio dominio sul Mediterraneo, ampio specchio d’acqua poi familiarmente ed orgogliosamente chiamato “Mare Nostrum”.

In quei tempi lontani certamente molte navi romane raggiunsero il porto di Adria, importante emporio commerciale, già attivo ai tempi dell’espansione greca e poi etrusca. La città, che chiede il suo nome al mare Adriatico, conservò il suo ruolo di centro vocato agli scambi anche quando rientrò a far parte saldamente dello stato romano, come testimoniano chiaramente i reperti esposti nel museo archeologico cittadino.

Prodotti ed uomini raggiungevano dunque quotidianamente Adria provenendo dalle terre del Mediterraneo con navi di varie dimensioni; imbarcazioni non solo mercantili, ma anche di natura militare; queste ultime inviate da Roma anche allo scopo di contrastare le incursioni marine dei popoli illirici.

A questa epopea navale, così lontana nel tempo, si è rivolto con sempre maggior passione l’interesse di un polesano: Nicola Stoppa di Cavazzana, frazione di Lusia. Raggiunta l’età della pensione, dai primi anni ‘90 ha dedicato studi ed energie per ricreare in miniatura varie imbarcazioni del passato, con particolare attenzione proprio a quelle del periodo romano. E non sono mancati i riconoscimenti al paziente quanto oculato lavoro, dato che le realizzazioni vengono frequentemente esposte in occasione di mostre generiche o a tema, ricevendo sempre l’attenzione e l’ammirazione dei visitatori.

Purtroppo, dal gennaio 2009, una malattia ha messo fine alla vita e all’ingegnosità di Nicola Stoppa, ma le sue navi continuano a raggiungere le esposizioni grazie all’interessamento della moglie e dei figli, pronti ad aderire alle varie richieste e a tener viva la memoria di un cultore tanto amato e stimato. E così “Caesar”, la bireme romana, trova ancora occasioni di apprezzamento assieme alla “Taurus Rubrus”, invitta nave da guerra, e ad altre imbarcazioni costruite seguendo i modelli di quell’epoca.

Ma sono soprattutto due sorprendenti quanto eccezionali imbarcazioni a richiamare l’attenzione del pubblico; riproduzioni di due grandiose galleggianti nate per dominare, con la loro imponenza, le acque del laziale lago di Nemi. Non navi per il commercio, dunque, e neppure per la guerra, ma realizzazioni portate a compimento nel I° secolo dopo Cristo in ossequio alla volontà dell’imperatore Caligola: due navi costruite allo scopo di stupire e di eternare con la loro magnificenza la fama di un imperatore che, dalle pratiche religiose dell’antico Egitto, aveva mutuato l’idea della propria natura divina.

Due imbarcazioni davvero eccezionali, che Nicola Stoppa ha riprodotto in miniatura con puntigliosa attenzione a non trascurare alcun particolare. La prima è una “Nave Palazzo”, copia in scala di quella fatta progettare da Caligola in modo che fosse adatta per ospitare una vera costruzione in muratura: un palazzo di oltre 600 tonnellate, decorato con mosaici ed affreschi, dove l’imperatore poteva soggiornare con servitù al seguito. La seconda è una “Nave Tempio”, caratterizzata dalla presenza di un vero e proprio edificio sacro, dedicato probabilmente a Diana, la femminile divinità romana che maggiormente si avvicinava all’egiziana Iside, divinità il cui culto era apprezzato da Caligola.

Due imbarcazioni, dunque, del tutto fuori dagli schemi della tradizione; grandiose nella loro struttura, costruite da artigiani abilissimi, in grado di soddisfare le stravaganti megalomanie di un imperatore folgorato dal mito della maestosità egiziana. Navi che lentamente solcavano le acque del lago di Nemi nelle notti di plenilunio, in un clima di grande suggestione, nel succedersi di ritualità che rimandavano ad antichi culti.

Va detto che il ricordo delle due mastodontiche galleggianti è sopravvissuto nei secoli, cosicché i racconti ad esse legati non sono venuti meno nel tempo, nonostante che, alla morte cruenta dell’imperatore, avesse fatto seguito il loro affondamento doloso. Un atto quest’ultimo nato dalla volontà di cancellare, con la distruzione delle gigantesche imbarcazioni, anche il ricordo del suo promotore. Una sorta di “damnatio memoriae” che però non ha raggiunto l’obiettivo, tanto che, nel XV secolo Leon Battista Alberti volle verificare la realtà del racconto, riuscendo ad identificare sul fondo del lago i grandi relitti, senza però essere in grado di farli riemergere.

Un progetto quest’ultimo ripreso dopo cinque secoli, e portato a compimento con tecnologie più appropriate nel 1928, in epoca fascista, in ossequio alla volontà di portare alla luce importanti vestigia della romanità. Un filmato dell’epoca, da qualche tempo in possesso della famiglia Stoppa, documenta il complesso recupero dei grandiosi resti delle due navi. Fece seguito il loro collocamento in un apposito museo costruito a Nemi, che poi purtroppo subì gravi sfregi nel corso della seconda guerra mondiale, con la pressochè totale distruzione delle imbarcazioni recuperate.

Le due navi del lago di Nemi oggi sono dunque visibili ed apprezzabili, soltanto nelle riproduzioni di Nicola Stoppa. Modelli realizzati con attenzione a non trascurare alcun particolare, aprendo uno squarcio su una vicenda della storia romana che suscita interesse, stupore ed ammirazione.

Vanno osservate in silenzio le foto di Toni Gnan, ascoltate, interiorizzate… Sono ritratti di un territorio dal profilo a volte dolce, altre affilato, misterioso, diverso, nascosto, solare. Toni ama la sua terra, la conosce e per questo con le sue inquadrature la trasmette in maniera diretta, semplice, assoluta.

Spesso mi capita, in giornate nelle quali gli agenti atmosferici accendono i colori e gli umori del Delta, di intravedere Toni, macchina fotografica alla mano, affrontare le intemperie con l’unico scopo di immortalare alcuni dei volti cangianti della nostra terra.

Ed ecco che, attraverso il suo obiettivo, le barche prendono forma e personalità: sono sospese in specchi d’acqua di Valle o di Sacca; portano a casa qualche pescatore solitario lasciando una scia luminosa “all’ora che volge al desìo e ai naviganti intenerisce il core..” o si riposano adagiate delicatamente su qualche scanno mentre i bagliori argentati della luna le accarezzano.

Ecco gli eleganti e alti pioppi cipressini incorniciare un viale incendiato dai colori dell’autunno; ed ancora si scorge la figura di un vecchio signore che si allontana scandendo a passi felpati sulla neve un tempo infinito.

Ecco un campo di mais, delle case di campagna, testimoni di una tradizione rurale che sembra esistere dalla notte dei tempi. E ancora… un “incontro”, tra sabbia e mare, tra due bastoni adagiati sulla spiaggia che disegnano forme strane, tra due figure umane che si sfiorano appena.

Ciò che colpisce delle foto di Toni è l’intensità e la “personalità” dei paesaggi, delle case rurali, delle reti dei pescatori, delle barche, degli alberi, degli uccelli: sono loro i veri protagonisti, e comunicano in pieno l’atmosfera così affascinante del Polesine. Le figure umane sono spesso ritratte di spalle, e sembrano completamente assorbite da questo grande spicchio di mondo circolare e piano, dai confini infiniti dove ancora acqua e terra regnano sovrane.

Mio padre diceva che il Delta è come una donna dalla bellezza non scontata, diversa, interessante, dai mille volti: stanchi, sfavillanti, malinconici, pieni di luce, ovattati. E solo lo sguardo attento di un artista può cogliere queste mille sfumature; solo chi sa ascoltare e guardare in silenzio può comprendere la magnificenza di quest’angolo di Italia ancora poco conosciuto.

Il mio invito è quello di sederVi di fianco a Toni Gnan, e di guardare con i suoi occhi, di ascoltare con le sue orecchie…

Ho conosciuto Enzo Cacciatori nel 1974, in occasione di una mostra collettiva organizzata dal Comune di Porto Tolle e dalla Pro Loco. Aveva 30 anni e viveva a Milano dove si era trasferito da un decennio: c’era andato nel 1963, poco più che diciottenne, nel periodo nel quale tanti polesani emigravano in Lombardia e in Piemonte in cerca di condizioni migliori di vita.

Ma oltre all’attività lavorativa, Enzo Cacciatori in terra lombarda aveva avuto modo di veder sbocciare una forte passione per la pittura, ottenendo risultati apprezzabili, di cui si ebbe notizia anche nel suo paese natìo.

Fu così che, nel 1993 (trenta anni dopo la sua emigrazione) fu invitato ad esporre a Porto Tolle in una collettiva di pittori del territorio. L’iniziativa era stata avviata dalla biblioteca civica che, con l’obiettivo di far emergere e valorizzare le esperienze locali, aveva proposto una rassegna di artisti portotollesi, che ebbi l’onore di presentare. Tra gli altri quadri esposti, alcuni lavori di Enzo, che fecero balenare l’idea di dedicargli una mostra esclusiva.

Il progetto si concretizzò soltanto nel luglio del 2000, quando però Enzo Cacciatori aveva lasciato questa vita da qualche mese. Fu una bella esposizione personale, purtroppo postuma, doveroso omaggio ad un artista che, pur vivendo lontano, è sempre rimasto saldamente legato alla sua terra di origine. Si trattava di una mostra antologica nella quale, ovviamente, era riunito un limitato numero di opere, tali comunque da rappresentare esempi caratteristici di quasi trent’anni di pittura, dando una chiara idea del suo modo di dipingere.

Una rapida lettura delle tele che Enzo ci ha lasciato, mette in evidenza una indiscutibile abilità che gli ha permesso di creare immagini particolarmente limpide e luminose. Si tratta di composizioni semplici, che non ti obbligano a un ragionamento, a cercare un messaggio (che pure c’è), ma ti colpiscono per l’elegante rapporto tra i colori, con prevalenza delle tonalità grigie, molto trasparenti, che rendono perfettamente la visione di un Delta immobile, silenzioso, nel quale neppure avvertiamo lo scorrere del tempo. Un paesaggio che, pur essendo sempre lo stesso, diventa motivo di ispirazione per un numero altissimo di raffigurazioni.

Un paesaggio che sa essere malinconico e dolce allo stesso tempo.

Nei cataloghi e nei depliant delle mostre, Enzo Cacciatori è stato spesso definito un “pittore chiarista”. Io non amo queste etichette. Preferisco dire che faceva “buona pittura”, una pittura molto legata all’ambiente veneto, e questo carattere veneto lo trovo presente anche nelle sue vedute del Ticino o di altri luoghi della Lombardia.

I quadri sono caratterizzati da toni luminosi, da un’atmosfera di malinconia, accentuata dalla solitudine dei luoghi, che mancano di qualsiasi presenza umana. Anche quando ci sono i segni dell’uomo, come barche, case, o la capanna sulla spiaggia del piccolo olio con la spiaggia di Bastimento, sono barche, case e capanne che sembrano abbandonate.

È una intonazione di malinconia quasi sempre presente. Solo raramente assistiamo ad alcune esplosioni di colore, come nei campi fioriti, dell’ultima produzione.

A differenza di coloro che dicono che basta un’idea originale e un messaggio forte per fare arte, io sostengo che la pittura è prima di tutto un fatto visivo e che il risultato è legato a quello che io chiamo la “conoscenza del mestiere di pittore”; credo cioè che sia necessario riprendere e valorizzare certi valori propri della pittura che sono: il mestiere, la passione, l’amore per l’arte, l’accostarsi con umiltà a quella che possiamo definire la poesia delle cose. Enzo possedeva tutto questo.

Virgilio Guidi, il grande pittore veneziano (veneziano d’adozione perché era nato a Roma), diceva che la poesia dell’opera d’arte è data dalla luce. Questo Enzo l’ha capito.

Ha dipinto la realtà, ma non la realtà esattamente com’è, quanto piuttosto la realtà filtrata dalle sue emozioni e dal grande amore per la natura che certamente aveva dentro. Il risultato estetico e l’impressione che si ha nel guardare i suoi quadri sono sempre piacevoli.

Enzo amava la pittura come la musica, o la musica come la pittura, e quindi tutte le sensazioni e tutti i sentimenti semplici e immediati. Sentimenti e sensazioni che è riuscito a trasmetterci.

Non è facile mettere insieme poesia, musica e arti, senza limitarsi a un mero accostamento e cercando piuttosto di trovare un punto di sutura profondo, un congiungimento che non significa l’impossibile «opera totale», tanto vagheggiata nei primi decenni del Novecento dalle avanguardie storiche, ma una coincidenza, una sintonia attiva, che si fa suggestione fantasmatica e al tempo stesso luogo vero e proprio.

Ci ha provato, e con successo, la Fondazione Banca del Monte in collaborazione con il Comune di Rovigo e quello di Lendinara e con il patrocinio della Regione e il contributo di Guerrato s.p.a. dedicando una mostra e un convegno a quel Novecento Polesano, che sembra perduto e che invece, di tanto in tanto, lascia intravedere il suo volto tormentato e enigmatico dietro la maschera di un provincialismo che troppo spesso ha soffocato la sua voce e misconosciuto nell’inettitudine la sua verità profonda.

Tutto era cominciato qualche anno fa con l’allestimento di uno spazio permanente dedicato allo scultore Virgilio Milani e il restauro di alcune sue opere (dal bassorilievo del Palazzo Ina alla Fontana della Riconoscenza nel piazzale della stazione), per poi proseguire con una serie di mostre dedicate rispettivamente a Gino Pinelli, Edoardo Chendi e Tono Zancanaro (in collaborazione con l’Accademia dei Concordi) e un convegno con pubblicazione degli atti e spettacolo per Eugenio Ferdinando Palmieri.

Ecco, allora, a cavallo tra febbraio e marzo 2012, una nuova mostra d’arte, che è diventata occasione di una pluralità di interventi e riferimenti. Una mostra intesa come il primo e, in termini cronologici, anche l’ultimo capitolo di una storia d’arte e cultura che investe tutto il secolo scorso, con una prospettiva che è europea e internazionale, dato che uno dei numi che fanno da puntello a questo progetto è quel Giuseppe Marchiori, originario di Lendinara, che è stato uno dei maggiori critici e storici dell’arte del Novecento, autore di innumerevoli saggi e monografie e padreterno del Fronte Nuovo delle Arti. A lui, appunto, è stato dedicato un convegno (in sala Flumina al Museo dei Grandi Fiumi) e nel suo nome sono previste altre iniziative, compresa una schedatura del materiale edito e inedito. Il tutto in vista di un Museo del Novecento in Polesine.

Ma il centro, non certo occulto, era il ritorno alla pittura creativa, dopo quasi trent’anni, dell’artista rodigino Gabbris Ferrari, documentato e testimoniato da una doppia mostra con il titolo «Paesaggio inquieto», curata da Ivana D’Agostino nelle sale dell’ex Monastero degli Olivetani a San Bortolo e in Pescheria Nuova, che ha costituito una autentica riscoperta e ha attirato numerosi visitatori nell’arco di poco più di un mese.

Gabbris Ferrari era diventato pittore, quando era ancora poco più di un ragazzo, affascinato dalle lezioni e dalle opere di Angelo Prudenziato. Da Prudenziato aveva, forse, appreso che la pittura è qualcosa che ha a che fare con tutto ciò che è fisico e tangibile, che le forme sono le cose e che tutto bisogna toccare e sperimentare. Ma presto aveva imparato che la pittura (e l’arte, più in generale) è anche esorcismo, capacità di esprimere che va oltre il tangibile, intuizione e avvicinamento progressivo, memoria incompiuta che continua nel tempo.

E c’erano state le stagioni di una storia personale, che aveva trovato felice, ma provvisoria, risoluzione sui palcoscenici dei teatri, dove la pittura era percepibile dappertutto, ma viveva solamente in funzione di una rappresentazione. Tanto più che, a rileggerle con il senno di poi, le pitture della giovinezza di Gabbris avevano già una loro valenza teatrale, con forme in opposizione, personaggi in movimento. Ma il taglio con la pittura, anche se non era stato netto, c’era stato per davvero. La scena era il luogo delle contraddizioni e il punto di fuga, un bagliore che si consumava in uno sguardo solamente.

Già nelle prime scenografie era apparsa ben evidente una atmosfera ludica, che si giocava tra ironia e forme leggere fino all’instabilità e alla mutevolezza. La pittura era anche diventata, sotto le mentite spoglie del disegno, appunto di viaggio, riflessione e confessione, sfogo, indizio di altri percorsi e perfino (ma lo sapeva Gabbris?) divinazione.

Insomma, pittura prigioniera e al servizio di qualcos’altro, per vent’anni e più, anche se, in segreto, qualcosa ribolliva. Nel tempo erano arrivate ricognizioni ricche di suggestione nella poesia, tanto che l’artista aveva sentito il bisogno di tornare a un vecchio e perduto amore della giovinezza, la recitazione, non intesa come esibizione, ma piuttosto invito a scoprire insieme. E come avviene con il trascorrere degli anni, di molti anni, tutto ritorna, passato e presente si scambiano i ruoli e convivono.

Insomma, il pittore Gabbris era (ri)nato proprio a questo punto, quando il viaggio sembrava approdare in un porto definitivo, che invece, come era capitato a Ulisse e ad altri ancora, era un luogo da cui partire nuovamente, con un itinerario mai casuale e sconosciuto, ma neppure noto, perché deciso e individuato di momento in momento.

È forse per questo che Gabbris, dopo quasi trent’anni di lontananza, ha dipinto e realizzato in pochi mesi, in uno stato di euforia e di turbamento, una settantina di opere, molte di grande formato e di felicità espressiva, in cui gioia e dolore si mescolano e si mascherano in colori luminosi e chiari, in forme sempre più inafferrabili, con presenze misteriose, ma anche rivelatrici. Il fatto è, come ha chiarito l’artista, che «un’opera non nasce quando viene progettata e realizzata, ma quando la si pensa, magari molto indietro nel tempo. E queste opere sono davvero pensate e realizzate in funzione di un passato poetico e personale». Cinque capitoli di una storia artistica, che si inseguono e si mischiano: legni (che vengono dal mare con echi e voci di altre persone e altre storie), geometrie e paradigmi (quasi un sublimato della pittura antica e degli ideali del Rinascimento), paesaggio inquieto (il Polesine trasfigurato, ma non solo), nuova Itaca (i viaggi e i ritorni), sesto senso e albedo (come dire la luce visibile). C’è poi uno splendido catalogo (dedicato a Martino, il figlio perduto dell’artista) che ripropone le settanta opere in mostra e che già per conto suo è un’ulteriore opera d’arte.

In quelle che potremmo definire opere maggiori, senza tuttavia far riferimento a sciocche e inutili graduatorie ma semmai al gusto personale, si avverte un formicolio di personaggi appena evocati attraverso forme diverse e composite, ma sempre in una irrinunciabile bidimensionalità, così che la pittura rimanda al disegno ritrovandone la felicità creativa, ma cancellandone al tempo stesso la dipendenza dal segno nell’insistenza sugli acrilici e sui pastelli, che, appunto, ritrovano la felicità del colore. Conta in queste opere (La macchina del cemento in un luogo indifeso, Macchina volante dalle parti di Pellestrina, A volo di uccello in laguna, Lasciare Venezia, Verso una nuova Itaca, Viaggio in comitiva) l’evocazione diretta, ma anche un più sottile intreccio di memorie e umori, così che libertà e pienezza, felicità e tristezza (mai o quasi disperazione), giovinezza e vecchiaia si mescolano in continuazione, come nella vita. Conta, ancora, il gusto del racconto, ma senza più scansioni temporali, in una sorta di fuga continua e continuo ritorno di tempi e personaggi e oggetti e macchine.

A restituire gli estri e gli sperimentalismi di una ulteriore ricerca, ci sono anche i legni (tutti raccolti in Pescheria Nuova). Legni di recupero, ritrovati sovente là dove il delta si spinge con spiagge e spiaggette improvvise e bianchissime verso il mare. E l’odore di mare e di sabbia ancora si avverte, più nella scansione di forme che nascono da se stesse che non dall’aria. Le composizioni, curiosamente, ritrovano il segno e il gioco dell’abbozzo. Ci sono, infine, altri legni, quelli dell’albedo e dell’alchimia, ridipinti e laccati con colori purissimi e intensi, che danno speciale luce all’alternanza di geometrie lucidissime e fortemente pensate, che puntano alla ripetizione ma non alla serialità e che trovano forse origine e perfino sostanza in altre due opere, che evocano una terza media del 1950 e quei cubi e sfere e piramidi che il primo e lontano maestro, Angelo Prudenziato, usava per far disegnare i suoi allievi, insegnando, con parole semplici e soprattutto esempi pratici, che dalla realtà si poteva giungere, sperimentando, alla metafisica.

Dopo oltre un mese, le due mostre si sono chiuse con una sorta di felice happening organizzato da Donatella Girotto, che ha tirato in campo le altre arti, la poesia e la musica e la danza, facendo appello alla fantasia e a tanti amici per una serata davvero memorabile che ha finito per diventare una emozionata approssimazione alla poesia e alla pittura, alla musica e al teatro.

Proprio i versi, dapprima, introdotti da un ispirato Marco Munaro e detti con straordinaria finezza e talora perfezione da Luigi Marangoni e Letizia Piva, hanno trovato una temperatura emotiva alta e segreta, una strategia dell’immaginario che ha forzato i confini del quotidiano e gli arzigogoli delle geografie, per cogliere paesaggi sognati, ma con i colori e i suoni della realtà. Nell’abbraccio di passato e presente e nelle parole dei poeti, le storie e i sentimenti non mutano, anche in quella prima periferia del centro storico in cui ancora palpitano lontani i sogni infranti degli Umiliati che avevano eretto la loro casa destinata a diventare una chiesa e un monastero che aveva preso i colori degli Olivetani. E nell’eco dei versi splendidi di Umberto Saba e Virgilio Giotti, Biagio Marin e Giacomo Noventa, Andrea Zanzotto e Bino Rebellato, quella sala rivelava un pubblico attento e commosso, ma anche altri artisti e poeti che si erano occultati fra gli amici, per cogliere il singhiozzo dissimulato del tempo perduto in quella perfetta evocazione di una giovinezza favolosa che è la poesia che Eugenio Ferdinando Palmieri aveva scritto in morte di Livio Rizzi.

E non a caso “Il paesaggio inquieto” era il titolo della mostra in chiusura, che subito dopo Gabbris Ferrari aveva illustrato e raccontato con un po’ di commozione tra i grandi quadri di pittura ritrovata e riconosciuta.

Poi la cena in Taverna (che in altri tempi era stata il ricettacolo degli artisti rodigini) tra brindisi e promesse, per correre, infine, con l’accompagnamento della band del Venezze, in Pescheria Nuova a chiudere il cerchio festoso e insondabile con il violoncello profondo di Vittorio Piombo e l’arte scenica sempre stupefacente di Thierry Parmentier. Tutto questo, si sa, finirà presto per concentrarsi in una sorta di palla che saltellerà nel tempo, andando e ritornando, proprio come la gioia e la memoria.